Eleusis. El Templo de la cultura moderna

Psychic TV- Mother day & Alien Sky (Vanity Case Records, 2011)

2012-01-08T18:34:00.005+01:00

Por cambio (otra vez) de país y con Hamburgo como nuevo destino hacemos una pausa en los posts de Eleusis. Esta pausa es obligada y se debe a que obviamente necesitare al menos un par de semanas para tener conexión de Internet. Eso si volveremos en unas dos semanas si o si. Antes de este breve paréntesis os dejo lo último de Genesis P. Orridge en su formación de Psychic TV.... El pionero de la música industrial y lider de los ya míticos Throbbing Gristle vuelve a la carga con el segundo 12” de la seria “Alien” el cual esta formado por solo dos pistas: un cover y una composición original......Increíble la revisión del “Mother Sky” de los alemanes Can y la pausada pero no menos intensa “Alien Sky”....Psicodelia a tutiplen y demostración positiva que la energía de Genesis P. sigue en su tope máximo ya que posiblemente facture dos de sus mejores temas de los últimos tiempos.....Como dice la sabiduría popular lo breve si bueno dos veces bueno y si encima es cojonudo, mas que bueno, pues mejor....A disfrutarlo......y recordar que “as soon as possible” Eleusis estará de nuevo activo....Hasta Prontoooo

DRIVE (Nicholas Winding Refn, 2011)

2011-12-27T00:29:00.008+01:00

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Esta semana os traemos “Drive”, film que recibió múltiples alabanzas en el último festival de Cannes (nominada a la Palma de Oro), llegando su director Nicolas Winding Fern a alzarse con el galardón a mejor director. En “Drive” podemos decir sin ánimo de equivocarnos que Nicolas Winding Fern, consolida las grandes expectativas creadas en sus anteriores productos (la espectacular “Valhalla rising” (2009), “Bronson” (2008) y la trilogía “Pusher” (1996-2005).

“Drive” cuenta la historia de un especialista de escenas de riesgo en Hollywood que por la noche se ofrece como experto conductor para fugas y atracos.  A pesar de lo sobado de la sinopsis “Drive” es un thriller especial, fuera de los cánones de lo que el género a pasado a ser en la actualidad. La adaptación de la novela de James Sallis, es mas que un producto meramente manufacturado y sin corazón. A pesar de que el rollo de un “hombre contra el mundo” y “un último trabajo” está mas que requetequemado, el tópico se transforma magistralmente en lo que en otros tiempos sería considerado inequívocamente como cine de autor. Así, a la hora de buscar referencias tendríamos que irnos a obras ya clásicas como “El silencio de un hombre” (Jean Pierre Melville, 1967), “Solo ante el peligro” (Fred Zinneman, 1952) o Taxi Driver (Martin Scorsese, 1976), o a las mas recientes  Hana-Bi (Takeshi gitano, 1997) o “Ghost dog” (Jim Jarmusch, 1999).

La estética de la película, hipnótica y reposada en ocasiones, pero electrica y perturbadora en otras, se podría englobar dentro de distintos marcos y géneros cinematográficos de caracter introspectivo. Esto es, estamos ante lo que podríamos considerar una revisión moderna del cine de samurais, pero también del Western maniqueo más clásico sin dejar de lado  la frialdad del cine nórdico del mejor Ingmar Bergman.  

El papel de Ryan Gosling nos retrotae por sus silencios y su soledad al personaje interpretado por Alain Delon (“El silencio de un hombre”), Forest Whitaker (“Ghost dog”) o incluso al Travis Bickle encarnado en Robert de Niro (“Taxi Driver”). La interpretación de un personaje atemporal del cual solo parece atisbarse, que nunca aclararse, un pasado misterioso e inquietante es simplemente magnífica. El proceso de humanización que le llevará a adoptar el papel del héroe en que acabará convirtiéndose, supone otro hito superado ampliamente por Ryan Gosling y confirma las maneras apuntadas en previas lecciones de interpretación como las exhibidas en  “The Believer” o “ Half Nelson” El diseño del escorpión en su chaqueta blanca comunica la naturaleza letal del personaje a la vez que retrotae a la estética kitsch de los 80 (Típica chaqueta de Sonny Cocket en "Miami Vice"??).  Carey Mulligan, Christina Hendricks, Ron Perlman o el recuperado para la causa Albert Brooks no desentonan para nada y contribuyen a dar intensidad emotiva a un film violento y humano a partes iguales. Un gran montaje,  una fotografía portentosa (Los encuadres, los ángulos, el manejo de la luz y la cámara son impresionantes) y una banda sonora, destacando irónicamente sus silencios y su carecter “retro-techno”, son elementos contribuyen a crear una atmósfera y una propuesta visual que sin duda hace de "Drive" uno de los acontecimientos cinematográficos del año. En resumen, os dejo una pequeña Gran Obra de Arte .....Poco queda que decir ahora a disfrutarla…..

RECOPILACION ELEUSIS DICIEMBRE 2011

2011-12-24T10:13:00.009+01:00

Y para acabar con buen pie el año un recopilatorio mas....Como siempre dos CDs uno con cosas nuevas y otro con cosllas mas antiguas que merecen la pena ser recuperadas. Esperamos que os guste y FELIIIIIIZZZZ NAVIIIIIIDAD

CD 1 (Nuevo)


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Alberta Cross- Money for the weekend
DJ Shadow-Border Crossing
Kurt Vile-The Creature
Lüger-Dracula's chaffeur wants more
Pumuky-Plus Ultra
Yann Tiersen-Another Shore
Dolores-Cortafuegos
Jonathan Wilson-Desert Raven
Korn-Get Up!
LaDebil-Ternera
Los Cuantos-Love love love
Ornamento y delito-Autoignorancia
Rammstein-Mein Land
The Adepts-The game
The Brew-Piper of greed
The Fall-Nate will not return
The last 3 lines- Visions from Oniria
The Soft moon-Total Decay
Tropic of Cancer-Be brave
Magazine-Do the meaning

CD2 (Recuperaciones)


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The Velvet Underground- Sweet Jane (1970)
Van Morrison-Brown eyed girl (1973)
David Bowie-Heroes (1977)
Elvis Costello-This year´s girl (1978)
Plastic Bertrand-Ca plane pour moi (1979)
Joy Division-Shadowplay (1979)
Soft Cell-Sex dwarf (1981)
New Order-Leave me alone (1983)
Trisomie 21-million lights  (1987)
The Jesus and Mary Chain- Frequency (1992)
Mephisto Waltz-Painted black (1992)
Sixth Comm- Shark fuck (1993)
Fountains of Wayne- Joe Rey (1996)
Einsturzende Neubauten-Die Befindlikchkeit des landes (2001)
Primal Scream-Miss Lucifer (2002)
Wilco-I´m the man who loves you (2002)
Echo west- Dark Space (2007)
Mogwai- Batcat (2008)
The Kill Devil Hills- When the Wolf comes (2009)
Akron-Fanily-Everyone is Guilty (2009)

Mater Suspiria Vision- "Ultra rare trax" (Phantasma disques, 2011)

2011-12-15T19:45:00.007+01:00

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Densidad, oscuridad, tenebrismo, surrealismo, paganismo, Jodorowsky, Salem, Freud, Lynch, Anger, Giallo, Argento, Crowley, Jess Franco, exorcismos, brujería, esquizofrenia, .... serían todas palabras , nombres propios y conceptos que bien podrían ayudar a definir el proyecto audiovisual de este misterioso colectivo alemán liderado conceptualmente por Cosmostropia de Xam y Aura entre otros artistas destacados de la escena experimental.......Todos los proyectos de Mater suspiria vision bien podrían ser empleados como la banda sonora de un akelarre o el score de un viaje a lo mas profundo de la patología esquizoide. Drones ásperos y saturados, trance deconstructivo, samples lamentados en italiano, inglés, alemán y latín, delays machacantes definen un nuevo concepto de perversión sónica con una marcada raiz esotérica y pagana. La escucha de Mater Suspiria Vision es lo mas parecido a verte transportado al núcleo de la batalla de Gettysburgh...pero no queda claro si para estimular la secesión (de la conciencia queda claro) o la Wilberiana conciencia global.... Aviso para navegantes.... cualquier persona que exhiba irremediblemente la tendencia/necesidad de encasillar la música en estereotipos que se mantenga alejada de este producto (Se ha impuesto crear un nuevo genero exclusivo para ellos el Witch House)....Dicho queda.....Y es que encima esto es una recopilación de rarezas.....Pufff... A mi los valientes!!!

Ah.... y para los curiosos os dejo unos audiovisuales de esta gente:

En función de la demanda se postearan mas trabajos suyos......

ANOTHER EARTH (Mike Cahill, 2011)

2011-12-08T08:21:00.006+01:00

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Calidad DVD (Como siempre)

¿Qué pasaría si de la noche a la mañana apareciese una segunda tierra totalmente clónica de esta en la que vivimos? ¿Cómo actuarías si de pronto descubrieses que existe otro tú con una vida paralela en esa otra tierra? ¿Esperanza y redención o sumisión inevitable al destino?. Estamos ante una película sobre la culpa y sobre cómo vivir con ella, sobre cuestiones intimas y preguntas universales. Sobre los what if’s. Numerosos dilemas morales y éticos se nos plantean en este drama disfrazado de film de ciencia ficción. Dirigida por Mike Cahill (Leonard Cohen: I´m your man, 2005), "Another Earth" fue presentada en el festival de Sitges de 2011 y en el de Sundance ganando el premio a la mejor actriz y el premio especial del jurado respectivamente.

“Another earth” cuenta la historia de Rhoda Williams (Brit Marling) una estudiante brillante recién admitida en el MIT que transformara lo esperanzador de sus expectativas en la mayor de las desgracias debido a las consecuencias derivadas de una irreflexiva acción…..Tras una noche de fiesta se pone al volante borracha. Esa misma noche aparece un planeta parecido al nuestro, lejos en el firmamento y Rhoda tras escuchar la noticia por la radio mira hacia el cielo....Punto de inflexion de su vida....A partir de ese momento el dolor y la culpa seran las piedras angulares de su existencia (No voy a revelar porque para no caer en el spoiler). La otra tierra es un planeta idéntico al nuestro, donde viven las mismas personas y que parece directamente un duplicado de la que vivimos..Pronto el dilema se aparecerá ante ella: O la pasividad del cargar con la culpa sobre sus hombres o la actividad de iniciar la andadura de su propio camino de redención. Esa "otra tierra" sera determinante para tomar un sendero u otro.

A pesar de ser un poco críptico poco mas voy a revelar…. “Another Earth” supone un brote de aire fresco a la hora de intentar narrar los sentimientos y emociones que crecen en torno al dolor y la culpa asociada a nuestras propias acciones. El film se contextualiza en el terreno del género de la ciencia ficción y el drama a partes iguales, pero ¿que hay mas fantastico por subjetivo que las emociones humanas?. Estamos ante toda una tragedia cuya comparativa con films como “21 gramos”de Iñarritu parece ineludible. No es una obra de arte, pero los amantes del cine sincero y humano no se sentirán decepcionados por esta joyita independiente….Animaros y echarle un visionado no os arrepentiréis.

Korn- The Path of Totality (Roadrunner Records, 2011)

2011-12-03T17:22:00.004+01:00

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Nuevo disco de Korn tras la más que irregular trayectoria descrita en sus últimos LPs de estudio. Los gurus del Nu-metal modifican su registro y adoptan unos derroteros más marcadamente electrónicos (concretamente dubstep), rodeándose de gente como Skrillex, Noisia, Excision, Kill the noise o Downlink entre otros. El primer corte del disco sorprende y confirma la esperanza de que con este album Korn remontarán el vuelo. En “Chaos lives in everything” la mezcla entre la voz “esquizoide” característica de Jonathan Davis y el dubstep made in SkrilleX deja patente que el concepto de la música de Korn queda intacto e incluso parece evolucionar. Sin embargo, mi opinión personal es que el esquema se torna un poco redundante en lo restante del LP a pesar de situarse descaradamente por encima de sus últimos largos. Posiblemente se genere división de opiniones…a algunos les encantara ese cocktail nu-metal-electro-dubstep pero seguro que a otros muchos les aburrirá hasta la saciedad…Lo mejor comprobarlo por uno mismo.

Acid Mother Temple & The melting paraiso UFO- "The Ripper at the Heaven´s gate" (Riot season, 2011)

2011-11-30T19:42:00.005+01:00

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Esta semana os traemos el último disco de Acid mothers temple& The melting paraíso UFO, formación japonesa de esas que quedan pocas en el campo de la psicodelia. “The Ripper at the heaven´s gates of Dark” es un viaje lisérgico entre guitarras y sitares que retrotrae al mejor rock psicodélico de los 60. El disco fue grabado durante el retiro a las montañas de la banda liderada por Kawabata Makoto tras el terremoto de Japón del pasado Marzo. “The ripper….” Son 72 minutos divididos en 5 cortes de larga duración con marcado carácter de Jam cósmica que bien podría constituir el “Dark side of the Moon” o el "Tago mago" de esta formación. El mes pasado los tuvimos por Madrid...

Weekend-"Red" (2011)

2011-11-26T13:53:00.007+01:00

.+9+
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Esta semana volvemos con novedades. Aquí os dejo el último EP de Weekend, trio de San Francisco formado por Shaun Durkan, Kevin Johnson y Abe Pedroza. Definirlos atendiendo a criterios meramente musicales es tarea difícil, sin embargo por las sensaciones transmitidas podríamos intentar encuadrar el estilo de Weekend dentro del Post-punk salpicado de noise o del shoegaze. Entre las miles de bandas promocionadas sin sentido crítico bajo el slogan de “…influencias de My bloody Valentine y Kevin Shields con un poquito de The Jesus and Mary Chain…”, pocas presentan algún mérito real reconocible fuera del afán de crear tendencias exhibido insistentemente por algunos medios. Weekend es una de esas formaciones que surgen de vez en cuando y traen un poco de aire fresco a géneros encorsetados por las modas y por esa razón merecen ser reseñados. Después del más que excelente debut en largo que supuso “Sports”, mucho mas oscuro que este EP, estos californianos vuelven con “Red”, un trabajo que para nada deja de lado las guitarras efervescentes, atmosferas densas y sonidos viscerales de las que hacía gala su predecesor. “Red” es más accesible que el anterior LP y por lo tanto, muy probablemente, alcance una mayor difusión. Son solo 5 canciones pero a muchos LPs les gustaría contener tantos temas de calidad como los que se concentran en estos 30 minutos. Os animo a los que no los conozcáis que les deis una escucha y como obviamente encontrar este material en España es difícil….Pues siempre quedará Amazón.

Red State (Kevin Smith, 2011)

2011-11-17T22:42:00.008+01:00

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Trailer

Esta semana os traemos “Red State”, ganadora del premio a la mejor película del pasado Festival de Sitges. Existen muchas razones para no dejar de ver “Red State”. Primero, “Red State” es una película de Kevin Smith. Si señor, este Kevin Smith es el “Silent Bob” que conocemos. Estamos ante la última criatura del director de films de culto tan escatológicos como “Clerks” (1994), “Mallrats” (1995) o “Chasing Amy” (1997) y que en los útimos años había caído un poco en desgracia (Aun no se cómo se puede asociar el nombre de Kevin Smith a ese bodrio que es “Cop out” (2010)). Y es que en su regreso al cine independiente y “low cost” de verdad asombra la sobriedad con la que aborda un tema tan espinoso como los fundamentalismos y la doble moral tanto religiosa como militar/marcial. Podemos asegurar con la certeza de no equivocanos que la frialdad y lo impactante de la puesta en escena, rozando el mockumentary, de "Red State" no dejará a nadie indiferente.

Otra razón para ver “Red State” es la recuperación de John Goodman, con 30 kilos menos, para el cine de nivel. Cuesta reconocerlo en su primera aparición pero lo que es innegable es que las dotes interpretativas que llamarán la atención de los primeros Cohen siguen intactas. Tampoco se puede dejar de reconocer la sensación de veracidad y opresión que acompaña al visionado de los 80 minutos de este film. Mención especial para Michael Parks como el reverendo loco (Mas Manson que el propio Charles Manson….premio al mejor actor en Sitges).... Otra buena noticia la recuperación de este secundario de lujo de films de culto de los 90 e icono Tarantiniano (“Death Proof” (2007), “Planet terror” (2007), “Kill Bill”(2003), “From Dusk till Dawn” (1996), “Twin Peaks” (1990, 1991) etc) e inceible también la oscarizada Melissa Leo (“Frozen river” (2008)). “Red state” ha tenido innumerables problemas para ser vista y aun los tiene para ser distribuida. Smith no encontró distribuidor en su país, y en una hábil jugada decidió subastar en Internet al mejor postor esos derechos. En el último momento él mismo pujó, se quedó con la película y desde entonces ha combinado la venta de “Red state” a cadenas locales con la proyección del filme en salas con él mismo presentándolo. En España tampoco tiene aún distribuidor, pero esperemos que el éxito de crítica de Sitges anime a alguien a comprarla. Su contundencia y calidad bien lo merece.

Centrándonos en la temática, lo que más llama la atención es la frialdad y ambiguedad con la que trata temas tan delicados como los principales –ismos del siglo 21, Terrorismo y Fundamentalismo en las esferas tanto religiosa como social. No hace falta creer en un Dios castigador cuyos preceptos deban ser obedecidos ciegamente para ser presa inequívoca de tendencias aniquiladoras de la voluntad residentes en nuestra esfera social, familiar y laboral. A nivel conceptual no hay mucha diferencia entre el que cree escuchar (y por lo tanto escucha) la voz de un imperativo Dios castigador y el que escucha una voz ordenante por un teléfono o atiende a las peticiones de un superior enviadas por e-mail. Ambas situaciones se basan en un principio da autoridad y solo se diferencian a nivel de grado. Las consecuencias a nivel global son mucho más peligrosas en el primer caso (véase las consecuencias lamentables de los últimos años) pero las del segundo no son nada desdeñables pues destruyen la conciencia individual al abocar al individuo a realizar acciones puestas al servicio de valores no identificables con las propias aspiraciones individuales (véase los sistemas esclavizantes y jerárquicos impuestos a sus trabajadores por empresas de alto calado en la sociedad capitalista-consumista actual). A pesar de que las consecuencias que el terrorismo asociado a los fundamentalismos religiosos son una lacra universal, la sumisión del individuo a principios no acordes a sus valores humanos tampoco son fenómenos inocuos. Es más, en el primero de los casos comentados el fundamentalista siempre tiene la (falsa) sensación de hacer lo que debe, de ser el único que no se equivoca, mientras que en el segundo el individuo es consciente de la falsedad de la situación vivida y recibe daños irreparables a nivel subconsciente capaces de condicionar negativamente la percepción de si mismo, contribuyendo por lo tanto a su autodegeneración como elemento social, familiar o laboral. Como siempre, se da pie a la doble moral y como decían “Pink Floyd” todo tiene su cara oculta. Poco queda mas que decir. Ahora a ver “Red State”…Se abre el debate.

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Memorabilia: DEATH IN JUNE- NADA! (1985)

2011-11-09T09:27:00.009+01:00

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Esta semana retrocedemos hasta 1985, año que vio el nacimiento de NADA! la obra capital hasta la fecha (y dudo mucho que la superen) de los británicos Death in June. Death in June nace en el Año 1981 de las cenizas del proyecto de punk troskista Crisis. A Douglas Pierce (Douglas P) y Tonny Wakeford se uniría Patrik Leagas de Runners of 1984. El sonido original de la banda puede considerarse como un PostPunk de tintes góticos similar al adoptado por formaciones con mas difusión actual como Joy Division pero aumentando la participación de elementos de la Industrial Culture y de la escena tanto electrónica como acústica. NADA! supuso el primero de las numerosas colaboraciones de David Tibet (Current 93) con D.I.J, resultando su papel clave en la composición de temas como “she say destroy” (Tema inspirado en textos de Aleister Crowley) o Behind the rose. Tonny Wakeford en 1983 y Patrick Leagas en 1985 (Tras la grabación de NADA!) abandonarían la banda para formar Sol Invictus y Sixth Comm respectivamente. NADA! supondría un punto de inflexión estilística en las composiciones de Death in June. Así, Douglas P, llevando la banda en solitario, iría sentando las bases de lo que sería el NeoFolk o Apocalyptic Folk (una mezcla de Industrial, PostPunk y, principalmente, Folk) lo que ocasionaría que cualquier parecido con las obras de 1985 para atrás fueran mera coincidencia.

La polémica siempre ha ido acompañando a la imaginería empleada por Death in June ya que se les ha vinculado con vertientes de extrema derecha y diferentes cultos religiosos. La utilización de la calaveras, su afición a las runas nórdicas, su fetichismo militar y la utilización metafórica de ciertos términos históricos han contribuido decisivamente a dar a Death in June la fama grupo extremo.No se puede negar que la simbología empleada e incluso algunas de las letras hacen referencias directas innegables a ese mundo. El tema C'Est un reve es un ejemplo.Éste tema fue creado durante la gira de D.I.J en Francia para combatir la etiqueta de fascistas que los persiguió ya que todo el mundo pensaba que uno de los motivos de la gira era la visita a la prisión de Klaus Barbie, "el carnicero de Lyon", oficial de las S.S responsable de más de 4432 asesinatos. Douglas P en forma de burla creó un tema de connotaciones terroristas empleando bases industriales y en un fondo de tape loops de ultratumba creado por Richard Butler, sobre el que recitaba en frances "O es Klaus Barbie... está en el corazón, está en el corazón negro…. Es un sueño!”.. Tras años sin querer abordar esta cuestión, a principios del año 2006 Douglas P. hizo públicas dos declaraciones de prensa en las que negaba por completo su afiliación y/o vinculación política o emocional a cualquier ideología fascista o racista exponiendo además que, siendo homosexual declarado como lo era, hubiese sido un candidato óptimo a los campos de concentración en la Alemania nazi. Las composiciones de Death in June intentan llamar la atención sobre la brutalidad de los regímenes coercitivos suponiendo una extensión artística a las inclinaciones políticas exhibidas en los días de la formación Crisis donde militaban en una formación de talante abiertamente marxista.

En la edición en CD de 1990 se alteraron el orden de los cortes además de añadirse nuevos al tracklist del LP de 1985. Los primeros cortes de esa edición de CD (“The honour of silence” y “The Calling mkII”) realmente provenían de B-sides, siendo las originales puertas de entrada al LP del 85 “The torture garden” y “Last farewell”. En esta edición especial tenemos todavía más temas tomados de álbumes como “Dead sunwheels 93”. Además esta edición incluye un DVD de una performance del 2005 y una caja y libreto con un diseño repleto de material visual impreso en papel fotográfico de calidad. La foto de la tapa ejemplifica uno de los rituales más habituales de la formación. En ella los miembros del grupo posan de espaldas a la cámara en el mausoleo, al igual que hacían en muchos conciertos donde además era frecuente el empleo de máscaras o de símbolos rituales. En esta edición especial se han incluida todas las fotos de las sesiones que se llevaron a cabo para el diseño de las portadas de la edición de 1985. Todas las fotografías fueron tomadas en el viejo cementerio victoriano de Brookwood a las afueras de Londres y todo el material empleado eran efectos personales de los responsables de este LP. Las bayonetas empleadas pertenecián a Patrick Leagas, la daga a Douglas P y la calavera a David Tibet (cuya cenit sotérico, y por lo tanto su amor insano a las osamentas se alcanzaría en Current 93). Desgraciadamente, el sonido de “NADA!” o incluso el de su predecesor “Burial” (1984) no tendría continuidad y de forma simultanea a la disolución del trio original las inclinaciones musicales serían victimas inequivocas del hedonismo artístico y de las ganas de performance de Douglas P. Aun así….hay queda “NADA!”..... Esperemos que os guste.

RECOPILACIÓN ELEUSIS OCTUBRE 2011

2011-10-29T18:23:00.011+02:00

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Esta semana una de recopilaciones.....Doble CD.....Cd1: Cosas recien salidas del horno en este último mes, CD2: Cosas con solera o clásicos desconocidos....Como siempre en esta compilación podreis encontrar desde el punk, garage, noise, post-punk, industrial, synth pop, electro, techno, post-rock.....pasando por el rock mas clásico hasta llegar a la electrónica de última generación....osea lo que viene a ser un poco de todo, pero con calidad...Esperemos que os guste.....O por lo menos que no os disguste demasiado

CD1

Wilco- Art of Almost
Eddy Current Supression Ring-Second guessing
Mogwai-Drunk and crazy
Quartus Saul-Time Warp
S.C.U.M.-Summond the sound
Erode-Detect
Gary Numan- The Fall
Manicure- Winter
Snowman-Hyena
Weekend-Sweet Sixteen
M83.-Echoes of mine
Mario Gonzalez-Betsy
dEUS-Dark sets in
iPhaze-Oil Spill
I break horses-Winter beats
Justice-Audio, Video, Disco
HTRK-Poison
Esben & The witch- Argyria

CD2

Mussolini Headkick- Your god is dead (1988)
Death in June- The calling (1985)
XTC- Making plans for Nigel (1979)
Le Travo- Guernica (1985)
Electrelane-This deed (2004)
Adult-Shake your head (2003)
Strate führ rebellion- Irrsinniger Preis (1982)
Public Image Limited- Anarchy in the UK (1983)
The very things- Philips World service (1984)
Yo La Tengo- Flying lessons (Hot chicken #1) (1995)
Devo-Whip it (1980)
Thee more shallows- 2 am (2006)
B52´s-Private Idaho (1979)
Ensemble Pitoresque-My baby is a waitress (1984)
The Ex- Uh-Oh Africa (1988)
16 Horsepower-Splinters (2001)
Ultravox-Vienna (1981)
The Stranglers- (Get a) Grip (On yourself) (1977)

Gary Numan: "Dead Son Rising" (Mortal Records,2011)

2011-10-27T20:40:00.008+02:00

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Esta semana le toca el turno al nuevo disco del “perro verde” de Gary Numan. Este señor no necesita presentación....simplemente decir que estamos ante uno de los padres británicos del Synth-Pop además de pionero de distintas variantes de la escena electrónica minimalista y experimental... Tengo que reconocer que no es uno de mis santos preferidos, ya que en mi opinión muchas veces se pasa en su afan por la experimentación y el rollo de la performance, por no decir que algo en su voz me pone nervioso. Sin embargo, no se puede hacer ascos a un “Curriculum” que contiene clásicos de la música electrónica como “Down in the Park” (1979) o “Are friends electric?” (1979) con los Tubeaway Army o “Cars” (1979) ya en solitario. Personalmente, me quedo con su faceta mas oscura, aquella en la que se acerca al sonido y a la atmosfera de Nine Inch Nails. Mas concretamente, LPs como “Sacrifice” (1994), “Exhile” (1997) o “Pure” (2000), a un servidor le parecen lo mejor de la producción de este inglesito con Sindrome de Asperger.

Tras ser rescatado del olvido por los nuevos Battles (“Glass Drop”, 2010), “Dead Son Rising” supone su primer disco en 5 años (editado por su propio sello) además del establecimiento de una línea de continuidad con su periodo mas oscuro. “Dead Son Rising” supone la resurrección de este genio olvidado, devolviéndonos al mejor Numan y al sonido que mejor representa. Los ambientes metálicos, la densa oscuridad asfixiante o los detalles futuristas de tintes apocalípticos no dejarán indiferente a aquellos que disfruten de la obra clásica de dinosaurios como Nine Inch Nails, Al Jourgensen e incluso de bandas mas vinculadas con el EBM como los alemanes Project Pitchfork o KMFDM. Respecto a las inevitables comparaciones con Nine Inch Nails decir que no queda claro quien influencio a quien....Mas bien estariamos ante una influencia recrípoca mas que fructífera. Sin embargo, para mi, este disco es descaradamente un homenaje a NIN. En la portada, Numan aparece con la N invertida..... ( homenaje al logo de NIN??). ...Luego esas melodías de piano en busca de su “Downward Spiral”...

.Sea como sea...Bienvenido al redil Mr. Numan.

Memorabilia: 65daysofstatic-"We were exploding anyway" (2010)

2011-10-22T10:47:00.005+02:00

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Comenzamos nuevas costumbres en Eleusis. Inauguramos una nueva sección denominada MEMORABILIA. En ella recuperaremos discos que a pesar de no constituir novedades tienen calidad suficiente para ser reivindicados y puestos al alcance de los amantes de la música que aun no hayan tenido la oportunidad de disfrutar de estas joyitas. Comenzamos con “We were exploding anyway”, cuarto y último disco hasta la fecha de 65daysofstatic, banda británica de Post-Rock….pero de las de verdad, de esas que no se llaman Mogwai o Explosions in the sky. Si algo caracteriza a 65daysofstatic del resto de bandas de estilo similar es su habilidad para mezclar el post rock más épico con electrónica salpicada de reminiscencias IDM y un poquito del Math Rock de los primeros Battles. De lo interesante de la propuesta de los de Sheffield pueden dar buena fe los que tuvieron la oportunidad de disfrutar del concierto de The Cure en su gira del 2008, ya que fueron teloneros de la cohorte de Robert Smith. La conexión entre Robert Smith y 65daysofstatic se mantiene en este disco donde el primero participa en ese temazo que es “Come to me”

El disco contiene 9 canciones que alcanzan su cima en la parte central y final del disco. El uso de sintetizadores y cajas de ritmos se acoplan a la perfección a las guitarras marcas de la casa en los dos primeros cortes “Mountainhead” y “Crash tactics”, dando paso al estallido electrónico de“Dance, dance, dance”. En “Piano figths” volvemos a las guitarras acompañadas de un delicado piano que queda solapado por las épicas subidas, regresando de nuevo a la electrónica con toques Drum´n bass, en “Weak 4″. La colaboración con Robert Smith,“Come to me”, son 8 minutos de magia, experimentación y locura consentida. “Go complex” es la canción más extraña del disco, saturada con voces distorsionadas, sintetizadores y guitarras por igual. En “Debutante” se recurre de nuevo a la épica post-rock guiándonos hasta la puede ser la mejor canción de 65daysofstatic: “Tiger girl”, once minutos de subida electrónica 100% empleando un sampler puesto en loop al que se van incorporando el resto de instrumentos hasta rozar practicamente la perfección melódica.

Poco mas queda de decir…Ahora solo disfrutar: 65daysofstatic: “We were exploding anyway”.

El Arbol de la Vida (The Tree of life, Terrence Malick, 2011)

2011-10-08T13:45:00.014+02:00

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Trailer

A pesar de lograr alzarse con la Palma de Oro en Cannes 2011, tras su proyección la prensa quedo exhausta y, como no podía ser menos, dividida. Es justo reconocer que la exposición a la avalancha de imágenes y sensaciones que transmite una película que habla de una familia en la Texas desde una perspectiva metafísica no es tarea soportable para cualquier mortal. Y es que Terrence Malick, se inclina por la poesía y la mística como elementos compositivos principales para dar forma a este maremágnum visual que es “The tree of life”. Así, el film que hoy se presenta esta alejado a millones de años luz del concepto moderno de consumo rápido que desgraciadamente acecha el cine actual. “The tree of life” es lo más cercano que el cine se puede situar en su intento de traducir la poesía a imágenes representativas del misterio universal: la vida.

Con solo 5 películas en su haber y tras uno de sus acostumbrados retiros Salingerianos, este profesor de literatura se centra en las dos caras de una misma moneda a la hora de sumergirse en el origen de la vida. La vida tanto desde el punto de vista orgánico o físico como desde el punto de vista mora,espiritual y social es lo que hace ser al hombre un ser potencialmente total. A partir de fragmentos netamente visuales, cercanos al documental artístico, Malick nos muestra a lo largo de dos horas y media el origen de la vida y del hombre además de como ente biológico como individuo dotado de conciencia propia. En este último aspecto, Malick se sumerge en lo que él considera las verdades esenciales de la vida humana empleando un lirismo dificil de encontrar en dias como los que corren. Empleando un lenguaje visual de una belleza plástica apabullante y partiendo desde una propuesta intimista y declaradamente subjetiva (los recuerdos de Sean Penn), Mallick nos va revelando verdades que no solo contienen sino que además son contenidas en otras más profundas. Si algo caracteriza a la vida es su tenacidad, su negativa a frenarse pese los diversos obstáculos que puedan aparecer en su camino.

Dejando de lado concepciones religiosas, tanto la vida física como la espiritual se rigen por leyes que aplican en ambos casos. De las máximas imperantes que conducen la vida natural y humana, la ley del más fuerte desde el aspecto fisico pero también moral, y la crueldad intrínseca derivada de ella ocupan un lugar privilegiado. Son de una increíble riqueza lírica las imágenes del dinosaurio exhausto en la orilla del rio, el lanzamiento al "cosmos" de la rana astronauta o el propio trato que da a sus hijos un severo Brad Pitt. De todos los elementos que marcan el devenir vital, la fortaleza de la propia vida y la negativa del carácter humano a la sumisión y aceptación de difíciles pruebas impuestas en forma de hechos tangibles constituyen un papel principal en la configuración del individuo como tal. Esto esta magníficamente representado (y mencionado como ejemplo a lo largo del film) por el ideal de integridad e sobriedad encarnado por el santo Job donde el concepto de aceptación adquiere tintes religiosos erigiéndose en modelo de la sumisión ante la fuerza de la, a veces, inexplicable voluntad “divina” (o del destino para descongestionar el concepto de matices). De ese modo, nada se puede hacer frente a la vida por mucha fe religiosa o disciplina que guardes o dejes de guardar.La vida te arrolla y es su fuerza la que dicta el destino del universo tanto a nivel individual como colectivo.

La vida impone. Sin embargo, el hombre no se limita a recibir si no que absorbiendo esa fuerza vital elabora una fuerza reactiva encarnada en la voluntad propia del hombre que constituirá el timón último que conducirá al individuo a su lugar en el cosmos. Solo hay una cosa más fuerte que la vida, el propio individuo, y su voluntad constituye inequívocamente la fuerza motriz que impulsa, ha impulsado e impulsara la vida a lo largo de toda la eternidad. La vida del hombre, su construcción tanto orgánica como espiritual y moral es un producto social y familiar formado a partir de la sedimentación de recuerdos adquiridos en edades tempranas pero también de años de evolución biológica desde miles de años atras que aun marcan la existencia física y natural del hombre. Ambos conceptos aparentemente independientes confluyen a la hora de determinar la naturaleza humana. En el sentido de la perspectiva social, el individuo maduro es como un árbol que resiste el envite del viento y las tempestades, pero que no queda incólume si no que mantiene todas esas agresiones registradas en su interior. Es pasivo en cuanto es un elemento de resistencia, pero a la vez activo en cuanto es capaz de sacar conclusiones, construir recuerdos y generar una conciencia individual partiendo dela voluntad que le caracteriza.

La vida se enraíza en el pasado, ya sea un punto de partida de evolución orgánico o las primeras castraciones del caracter infringidas por la educación social y moral. Ya lo dijo Orwell: el pasado es la base para construir el presente y prediseñar el futuro. Una gran parte de la visión poética magistralmente adaptada al lenguaje visual de este film se debe al hecho de que el núcleo narrativo proviene de los propios recuerdos de un breve Sean Penn. Solo la aceptación de esos recuerdos elaborados de forma activa a partir del sometimiento pasivo a eventos fortuitos dolorosos propuestos por la fuerza motriz de la vida, dota de un sentido inequívoco a la trayectoria vital de un hombre. En este sentido el metraje final de “The tree of life” se vuelve estéticamente impresionante y la belleza formal contenida en sus imágenes aporta una perspectiva repleta de un misticismo orientado a forzar al espectador a realizar un esfuerzo introspectivo. En este sentido “The tree of life” funciona a la perfección como hilo de Ariadna e incluso como terapia psicoanalítica no solo a la hora de plantear al espectador las preguntas existenciales por antonomasia (¿Que somos? ¿De donde venimos? Y por supuesto ¿A donde vamos?...) sino también a la hora de forzar la busqueda de sus respuestas en nuestro propio interior.

A diferencia de lo comentado en posts dedicados a otras películas, queda patente que hoy no me he limitado a dejar constancia de datos recopilados o a ensalzar/criticar cuestiones técnicas del film en cuestión. En otras circunstancias y para la mayoría de los films posteados en Eleusis, esos apuntes ayudan a dar una idea al espectador neófito de lo que va a ver. En el caso de cualquier obra de Terrence Malick, esto carece de sentido. Sus películas penden de un hilo narrativo sumamente liviano centrado fundamentalmente en la fuerza poética de su universo y en la belleza del lenguaje visual empleado para difundirlo. Sus films mas que discursos narrativos son experiencias sensoriales, en ocasiones cercanas a la experiencia extática, en los cuales cualquier descripción meramente explicativa o la elaboración de una sinopsis simplista no haría justicia ninguna al film. En este post no he ahondado en la sobriedad del trabajo de Brad Pitt o en la breve contribución de Sean Penn. Tampoco he hecho hincapie en el maravilloso trabajo de fotografía de Emmanuel Lubezki o la intimista banda sonora de Alexandre Desplat. He dejado también de lado las hipnóticas imágenes sobre el origen del universo y las maravillosas animaciones en CGI. Lejos de todo esto, la intención de este post es aportar la visión personal de lo que para este servidor, como un espectador mas, ha sido una obra visionaria. “The tree of life” encantará a algunos, mientras que a otros por no ser capaces de ahonda en sus profundidades o bien por caer en las redes de una falsa publicidad, les aburrira hasta la saciedad . De los que sintonizaron con el universo de Malick (entre los que indudablemente se encuentran aquellos que gozaron con “Bad lands” (1973), “Days of heaven” (1978), “The thin red line” (1998) o “The new world” (2005)) posiblemente todos tengan una lectura de “The tree of life” diferente a la del aquí presente. Bienvenida sea. Una obra es más rica en cuanto contiene tantas interpretaciones lícitas y enriquecedoras como observadores de la misma. En tiempos como los que corren la posibilidad de personalización de un film como el que nos ocupa no es un hecho común. Sin embargo, esta posibilidad surge con toda su fuerza en “The tree of life” contribuyendo a hacer presente en la conciencia del espectador que el cine, al igual que la literatura o las artes plásticas, no es solo un elemento vacio de entretenimiento sino que constituye un arte en sí mismo...Con todos ustedes "The tree of life"....

MELANCHOLIA (Lars von Trier, 2011)

2011-10-02T09:54:00.017+02:00

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Enfrentarse al cine de Lars von Trier supone tener la valentía del que sabe a ciencia cierta que va a encarar un experimento visual donde lo arriesgado de la propuesta es directamente proporcional a la incertidumbre de la posibilidad de alcanzar lo sublime desde un punto de vista artístico. La mente de este danés zumbado es el lugar de gestación de poderosos y estremecedores relatos como “Breaking the waves” (1996), “Dancer in the dark” (2000) o “Idioterne” (1998) pero también de perturbadores y polémicos films como “Antichrist” (2009), “Dogville” (2003) o “Riget” (1994)…Y es que aunque a nivel personal se puede críticar el excentricismo de von Trier y las innegables ganas de dar la nota del personaje que el mismo se ha creado, lo que no se puede negar es que tiene talento para esto del cine.

Sin duda alguna “Melancholia” estaba destinada a ganar la Palma de Oro en Cannes 2011 sin embargo la aparición de Terrence Malick tras su acostumbrado retiro creador y el fuerte carácter del director danés lo evitaron. Respecto la calidad artística de “The tree of life”, no hay nada que decir….Sin embargo, respecto al lenguaraz von Trier no se puede decir lo mismo. Como no podía ser de otro modo, von Trier la lio en Cannes….Y es que soltar perlitas como "Entiendo a Hitler. No puede decirse que sea un tipo estupendo... pero me cae simpático", y rematar con un "Bueno, no estoy a favor de la Segunda Guerra Mundial, y estoy a favor de los judíos... aunque no demasiado, porque Israel nos suele joder bastante" en ninguna parte es admisible pero menos en un país hedonistamente autoproclamado adalid de la moral y estética universal. Teniendo en cuenta que en Francia está tipificado como delito "la incitación al odio racial" y que El Consejo Representativo de las Instituciones Judías de Francia calificaron sus declaraciones como "traductoras de las tendencias más inquietantes de la banalización actual del nazismo”, su expulsión del certamen y declaración como “persona non grata” fueron males menores. A pesar de las posteriores disculpas tanto suyas como de la defensa ejercida por personas de su ambiente profesional y personal, Él una vez niño mimado de Cannes perdió su gracia. A pesar de estos problemas “Melancholia” siguió en el festival y la coherencia del criterio cinematográfico tomado por el jurado del certamen permitió a Kirsten Dunst alzarse más que merecidamente con el galardón a mejor actriz.

Centrándonos más en el film, “Melancholia” narra una historia sobre la fragilidad humana desde la perspectiva del collage de géneros: Ciencia ficción apocalíptica y drama de alta gama se unen de forma sinérgica bajo la batuta de von Trier para rendir la joya de la que hoy podemos disfrutar. Nada más comenzar el prólogo del film (como le gusta a von Trier eso de fragmentar los relatos siguiendo un criterio literario), se hace difícil, por no decir imposible, evitar la comparación con esa otra maravilla que es “The tree of life” de Terrence Malick. Los primeros minutos de metraje suponen una cascada de imágenes seleccionadas sutilmente para ser empleada como un hechizo visual e hipnótico que nos introduce en una historia con fuertes elementos oníricos y que como no podía ser de otro modo desembocará en tragedia personal y universal. Al igual que la película de Malick, la imagen se pone al servicio de la poesía y de la narrativa lineal y no en detrimento de esta última. Sin embargo, a pesar de los inevitables paralelismos, el espectador ya iniciado en el cine de estos dos “perros verdes” enseguida captará la diferente intencionalidad de ambos; Malick pretende contar el nacimiento del mundo físico, moral y emocional desde una perspectiva poética e incluso metafísica mientras que Lars von Trier, más pesimista y tenebroso, está empeñado en su destrucción.

Tras concluir el prólogo marca de la casa empieza una historia que otorgará sentido final a las largas premoniciones iniciales. Y esta, cómo no, es enfermiza y morbosa, el terreno en el que mejor se desenvuelve su director. La piedra angular sobre la que se edifica “Melancholia” es la boda de una mujer bipolar, una persona profundamente deprimida. Y esa boda lógicamente acaba en tragedia, en la apoteosis del reverso tenebroso de la novia derramando hiel y enloquecida transgresión sobre todos los presentes. Todo esto narrado de forma paralela al esperadísimo momento prodigioso en el que se va a acercar a la tierra un planeta aparentemente inofensivo denominado Melancholia. En “Melancholia” asistimos al apogeo y el colapso de dos universos por un sentimiento (melancolía) encarnado en un amenazante planeta. Así, por un lado asistimos a la extinción del microcosmos que supone la ausencia y el vacío existencial de Justine y por otro lado el del macrocosmos encarnado por la raza humana y el planeta tierra en general.

“Melancholia” es una obra de arte, una pieza de orfebrería plagada de grandes momentos. La fotografía de Manuel Alberto Claro nos regala instantes de una belleza plástica que en ocasiones nos hace pensar en un cuadro en movimiento. Asistimos un ejemplo de virtuosismo visual empleando limitados recursos donde la cámara digital en mano, como canon erigido por el movimiento Dogma hijo primogénito del "loco danés", se pone al servicio del personalísimo estilo visual y del lenguaje magnético de von Trier. La banda sonora de Wagner, ya empleada para acompañar la épica y la mitología grialística del “Excalibur” (1981) de Boorman, contribuye notablemente al desasosiego emocional y al miedo existencial que rellena los huecos entre los personajes de la narración. Si a todo lo anterior le añadimos unas inconmensurables Kirsten Dunst y Charlotte Gainsbourg situadas escénicamente bajo un plantel conformado por actores de la talla de John Hurt, Stellan Skaarsgard, Charlotte Rampling o Kiefer Sutherland no podemos tener otra cosa que una obra de arte en toda regla. Simplemente no hay que perdérsela. Estamos, posiblemente, ante una de las mejores películas de la incipiente década y probablemente de anteriores. Con todos ustedes “Melancholia”…

"LOS EDUKADORES" (Die fetten Jahre sind vorbei, Hans Weingartner, 2004)

2011-09-28T07:38:00.017+02:00

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Además de los diversos premios recibidos en Alemania, “Die fetten Jahre sind vorbei”, segundo trabajo del director austriaco Hans Weingartner, fue una de las sorpresas del Festival de Cannes del 2004, donde fue nominada a la Palma de Oro tras 11 años de sequía para el cine alemán en este certamen. En el afán de Buscar antecedentes y paralelismos que contribuyan a profundizar en la temática de “Die fetten Jahre sind vorbei” no podemos dejarnos en el tintero el idolatrado 1968 representado por Bertolucci en “The Dreamers”(2003). Sin embargo, alejándose de la tentación del plagio en temáticas como la abordada, en “Die fetten Jahre sind vorbei” Weintgartner aporta un enfoque centrado en la sociedad moderna que no solo complementa si no que enriquece la visión de Don Bernardo. En “Die fetten Jahre sind vorbei” el presente aparece como punto final de la evolución del movimiento revolucionario sesentero. Sin embargo, frente a esta actitud aparentemente pesimista hay sitio para la esperanza, un hálito de aire fresco figurado por revitalizadas concepciones revolucionarias y anticapitalistas reencarnadas en el triunvirato protagonista del film (Daniel Brühl, Julia Jentsh y Stipe Erceg). Y es que a modo de cruzados herederos del moribundo espíritu de igualdad del final de los 60, nuestros protagonistas suponen un rayo de luz en la cada vez más deshumanizante y sórdida sociedad capitalista que desgraciadamente determina la sociedad actual.

Jule es una joven camarera (Julia Jentsh), activista contra la explotación y la opresión que se ve endeudada por un accidente de tráfico y acaba siendo desahuciada de su vivienda. Se instala en el piso que su novio Peter (Stipe Erceg) comparte con su amigo Jan (Daniel Brühl), los cuales son dos jóvenes rebeldes y revolucionarios anticapitalistas que sueñan con poner patas arriba a la sociedad. Como no podía ser de otro modo, partiendo del ideal romántico de la igualdad y la lucha contra la injustica social, ambos se dedican a entrar en las casas de los ricos, para desordenar los muebles y redecorar los salones…Eso sí, sin robar absolutamente nada, simplemente limitándose a dejar una nota en la cual avisan a los asaltados que sus años de abundancia llegan a su fin. Por diversas circunstancias que no revelaremos para no caer en el spoiler, Jule se acabará uniendo a “Los edukadores”. Sin embargo en una de las acciones "revolucionarias" del ahora trio las cosas se complicarán y conflictos más allá del idealismo revolucionario como el romanticismo juvenil, la amistad, el amor traicionado o mas en general las esperanzas perdidas se convertirán en piedras angulares de la trama del film.

“Die fetten Jahre sind vorbei” no es en ningún caso una obra maestra. Sin embargo, tenemos delante un film que merece la pena dedicarle el par de horas que dura, aunque solo sea por la nostalgia de la inocencia y el idealismo romántico que una vez guio los pasos de los otrora jóvenes. Estamos ante una película recorrida por un candor ideológico con personajes contradictorios, tanto en declaraciones como en actos, pero cuyo idealismo revolucionario contribuye de manera inevitable a establecer una complicidad con el espectador desde los primeros minutos de metraje. En “Die fetten Jahre sind vorbei” asistiremos a una continua argumentación, disfrazada en forma de diálogos, donde recibiremos generosas dosis de idealismo anticapitalista activo, que aunque en ciertas ocasiones cae en tópicos y lugares comunes no deja de provocar un acto de autoexamen de conciencia sobre el mantenimiento de la integridad de los ideales con paso del tiempo y el cambio en el estatus social que acompaña al espectador medio. Asistiremos a un enfrentamiento de las consecuencias y realidades del pensamiento revolucionario de antaño contra el idealismo igualitario de un presente cuyo devenir futuro determinará su grado de realidad. Por un lado están los que sueñan con la revolución y por otro los que una vez también quisieron cambiar el mundo, pero la madurez, el estado de bienestar, la adopción del modelo social-familiar estandard y el deseo de confort les trajeron la amnesia.

“Die fetten Jahre sind vorbei” es un filme, hecho con la mirada puesta en las nuevas realidades sociopolíticas generadas fruto de la globalización que como merito reseñable cuenta con la voluntad de contar una historia fuera de la vacía temática habitual del cine juvenil actual. Si algo podemos concluir con “Die fetten Jahre sind vorbei” es que la llama del espíritu revolucionario no se apaga nunca, si no que se mantiene viva e independiente de cualquier contexto sociológico, humano, económico o geográfico…Y es que esa inquietud forma parte de lo más profundo y noble del ser humano y por ella somos como somos y no somos otra cosa…..Se abre el debate….

MARIO GONZÁLEZ-BDSM (2011)

2011-09-22T23:29:00.006+02:00

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Esta semana os traemos el nuevo disco de Mario González. En “BDSM”, Mario González se encuentra como pez en el agua saltando de un estilo musical a otro y estableciendo complicadas conexiones melódicas responsables de una línea estilística personal marca de la casa….Electro, Drone, Psicodelia, post-rock, ambient, Industrial, Dubstep y un largo etcétera….Todo esto podeis encontrar en el nuevo disco del inquieto músico de Chicago. Imposible no pensar que Richard D. James (Aka Aphex Twin) puede estar tranquilo respecto a quien recogerá su testigo de pope en el campo de la experimentación electrónica….Se abre el espacio para el debate……

SNOWMAN- "ABSENCE" (Dot Dash/Remote Contro, 2011)l

2011-09-15T21:54:00.006+02:00

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“Absence” es el testamento que la formación australiana “Snowball” nos lega tras la inesperada disolución del grupo. Densas percusiones acompañadas de salmodias susurradas, mantras que nadan libres en melodías electrónicas tribales o pequeñas a la vez que intensas dosis de arquitectura onírica y diseño de paisajes interiores.... Tres diferentes aproximaciones orientadas a definir este “Absence” pero que por la limitación del lenguaje no aciertan a captar todas las sensaciones encerradas en este album... Como referencia los APSE mas experimentales , que ya es mucho decir....Simplemente un deleite para los oídos. Esperemos que guste.

REGRESO INMINENTE

2011-09-10T12:21:00.002+02:00

Por motivos de cambio de pais y de todos los lios que los que alguna vez lo han sufrido saben que conlleva llevamos una semana sin poder actualizar el blog. A lo largo de esta semana, si todo va bien, tendremos conexión estable y recuperaremos el ritmo habitual de posteo .... No nos olvidamos de nuestra comunidad Eleusina.... En breve volveremos.....Y con mucha mas fuerza.

HTRK- "Work (Work, work)" (Ghostly International, 2011)

2011-08-27T11:08:00.004+02:00

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Fundados en Melbourne aunque establecidos en Londres, descubiertos por el difunto Rowland S. Howard (“The Birthday Party”, “These Inmortal souls”) y con suficiente experiencia tras girar con “Yeah, Yeah, Yeahs”, “Liars”, “Shellac”, “Suicide”, “Lydia Lunch” y “ The Horrors”, HTRK o lo que es lo mismo el ahora duo formado por Nigel Yang y Jonnine Standish, nos traen su tercer trabajo “Work (Work,Work)”. Una vez superado el suicidio de su bajista Sean Stewart, HTRK se refugian en una No Wave anclada en una electrónica de tintes siniestros que nos retrotrae a un seductor viaje al núcleo de las pasiones humanas mas oscuras. Podríamos estar hablando de la banda sonora de un mal viaje de David Lymch, pero también a la música que sonaría en un garito de un film de estética futurista estilo “Strange Days” , "Demonlover" “Akira” o una posible revisión de “Blade Runner”. Inevitables también las reminiscencias a grupos como Suicide, Swans, Pan Sonic o a lo que The Birthday party, Kim Gordon (Sonic Youth) o Beth Gibbons (Portishead) de subidón creativo y con una resaca de campeonato hubieran hecho de haber coqueteado con la electrónica mas minimal....Y seguramente a algo mas.

TEAM GHOST- "We all shine" (Sonic Cathedral, 2011)

2011-08-27T09:34:00.004+02:00

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Team Ghost, es el proyecto liderado por Nicolas Fromageu, miembro fundador de la banda francesa M83, Christophe Guerin y Jean Philippe Talaga. Al igual que grupos como UNKLE, Team Ghost en su vertiente europea se dedican a la experimentación sonora orientando su labor a la armonización de elementos electrónicos con sonidos derivados de distintos subgéneros del Rock.

“We all shine” es un LP destinado a ser distribuido principalmente en Japón y que compila los dos EPs publicados anteriormente (“You never did anything wrong to me” y “Celebrate wath you can`t see”). "We all shine" es un disco con inequívocos toques de Daft Punk, M83 y Radio Dept cuyas composiciones funcionarían a la perfección en cualquier film de John Carpenter e incluso pasarían por ser temas suyos (“Red light corridor” o “Lonely, lonely, lonely). Pero también en "We all shine" tenemos también muestras de Rock cercano al shoegaze (“A glorious time”, “Signs & Wonders” ), post-rock deudor de los más accesibles Mogwai o 65 days of static (“Only you can break my heart”) e incluso ritmos kraut que retrotraen a Can o Neu! (“Deaf”). Las continuas mutaciones de la voz pasando de un tremendo parecido a Bernard Summer de New order, a Robert Naja de Massive attack (“Deaf”) e incluso a Neil Tennant de Pet Shop Boys (“Into my arms”, “Colors in time”) constituyen otro bastión al servivio de las emociones trasmitidas por este disco…Poco más que decir queda… así que a disfrutarlo.

I break Horses- Hearts (Bella Union, 2011)

2011-08-24T20:06:00.009+02:00

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Hoy en Eleusis tenemos el album debut de "I break horses", duo sueco formado por Maria Linden y Fredrik Balck. En "Hearts" encontrareis toques de los ultrareferenciados My bloody Valentine, Cocteau Twins pasados por el filtro de The Chemical Brothers y de unos dulcificados The Raveonettes y todo ello aderezado con la elegancia característica de las formaciones suecas....llamalo dreampop, shoegaze, electrónica o como quieras...Simplemente disfrutalo en tranquilidad....Ojito también con la remezcla de Tom Rowland, mitad de los Chemical.